the art is on fire

Policier, adjectif – Corneliu Porumboiu

christyler — Sat, 12 Jun 2010 05:00:45 +0000

Certes, il faut en passer par quelques plans-séquences, parfois ennuyeux, dont raffole le cinéma roumain du moment, mais le final en vaut vraiment la peine. Dans Policier, adjectif, Cristi prend en filature un jeune lycéen qui revend de l’herbe à ses copains. Alors qu’il devrait l’arrêter comme le dit la loi, Cristi préfère poursuivre son enquête (pour trouver le fournisseur) afin de ne pas gâcher la vie de l’adolescent.

Pendant 1h30 (sur les 2h), Corneliu Porumboiu file donc ce lycéen et Cristi qui l’observe, l’attend, caché derrière son pilier électrique, dans la grisaille de la ville. Et le cinéaste s’applique soigneusement (mais sans surprise) à nous faire ressentir cette attente. A côté de ça, lors des retours aux commissariats de Cristi, il montre aussi les difficultés administratives qui ne sont pas sans rappeler celles rencontrées par l’héroïne de 4 mois, 3 semaines, 2 jours. Des passages qui sont très réussis grâce à leur drôlerie et à des personnages bien écrits. Surtout, ces scènes apparaissent comme des respirations qui empêchent le long métrage de sombrer dans la dépression.

A deux reprises, la caméra s’arrête sur les rapports du policier qu’elle filme en gros plan, moins pour résumer l’état de l’enquête que d’amorcer un discours sur la langue, sur la communication. Plus loin dans le film, la femme du policier lui fera une remarque sur une faute d’orthographe que ce dernier a réalisé dans son dossier. Lors de la pénultième scène, grandiose, Cristi est sermonné pour un cas de conscience. Son Commandant, à l’aide d’un dictionnaire, va recourir à un drôle d’exercice (au propre comme au figuré) visant à démonter ce cas de conscience.

The Crazies – Breck Eisner

christyler — Thu, 10 Jun 2010 05:00:00 +0000

Remake du film de Romero (dont il est le producteur exécutif ici), il faut accepter de The Crazies qu’il ne révolutionne pas le genre. Normal puisque c’est un remake. D’où cette sensation de déjà-vu. Le film suit ainsi à la lettre son cahier des charges en traversant tous les passages attendus du genre (scènes d’exposition où l’on découvre les premiers contaminés pour ensuite s’arrêter sur un couple lors d’une seconde partie en forme de survival).

Mais si The Crazies ne révolutionne pas le genre, il le dynamise via une réalisation très réussie. Du coup, bien que le scénario soit sans surprise (ce n’est de toute façon pas le point fort du film), la caméra de Breck Eisner stimule les sens. Elle se montre tout aussi habile à faire monter la tension qu’à offrir des plans d’une grande beauté (l’un des plans finaux ou celui, magnifique, de la femme face à la moissonneuse batteuse). Dès lors, des scènes vues et revues parviennent malgré tout à enthousiasmer le spectateur (la première apparition d’un infecté sur le terrain de base-ball, le très beau passage dans le lave-auto, etc.).

Finalement, l’intérêt de The Crazies réside non pas dans les différences que l’on pourra noter entre l’original et icelui mais bien dans la question de l’héritage du cinéma de Romero. Et ce que propose Breck Eisner montre qu’il a bien compris que ce que l’on retenait du cinéaste de Zombies, la force de l’image plutôt que son discours politique.

L’Elite de Brooklyn – Antoine Fuqua

christyler — Fri, 04 Jun 2010 05:00:13 +0000

Je suis déçu. Non pas que j’en attendais forcément beaucoup mais Antoine Fuqua a montré qu’il pouvait faire mieux. Dans Training Day, il y avait quelque chose d’un peu plus modeste. Le film se concentrait sur deux personnages et se déroulait, presque en temps réel, sur une seule journée. Ici, Fuqua nous la joue façon choral avec des personnages qui se croisent (plus ou moins). Heureusement, il évite de peu l’Inarritu’s touch, sauf sur la scène finale. Et puis, il y en a un peu marre de cette réalisation de type Gangsta Rap.

Non seulement, on a déjà l’impression d’avoir déjà vu ce film cent fois (le film souffre d’ailleurs de la comparaison avec La Nuit nous appartient auquel on pense parfois) mais, en plus, Fuqua appuie son sujet pour bien montrer la noirceur de celui-ci. Dès l’écran titre,en fait, caractères rouges sang sur fond noir. Puis, premier plan. La caméra survole un cimetière, comme pour mieux signifier que tout ceci va forcément mal finir. Seule la présence de Richard Gere sauve légèrement le film, de par son jeu d’acteur et son personnage. Que ce soit sa relation avec la prostituée ou bien l’ultime scène qui offre enfin quelques sensations. C’est peu mais ça donne envie de revoir Richard Gere dans un bon film…

Les Femmes de mes amis – Hong Sangsoo

christyler — Wed, 02 Jun 2010 16:04:35 +0000

Du Rohmer en plus drôle. On y suit les déambulations d’un réalisateur coréen invité à l’occasion d’un festival (qui ne fait que dormir pendant les projections). On ne fait presque que boire ou manger dans Les Femmes de mes amis au gré des rencontres, des retrouvailles. On discute de choses et d’autres, d’amour, surtout. Tantôt léger, tantôt grave, le cinéaste semble parfois en roue libre mais fait régulièrement mouche grâce à un humour vraiment très réussi. S’il y a quelques (petites) longueurs, dans l’ensemble, c’est un vrai régal. L’écriture est intelligente, la réalisation remarquable (aucun champ/contre-champ, utilisation astucieuse des zooms pour recadrer l’action…) et la fin est très belle. Très joli film.

Lola – Brillante Ma. Mendoza

christyler — Mon, 31 May 2010 05:00:10 +0000

Dans Lola, et comme dans les précédents films de Brillante Ma. Mendoza, on a le droit à un regard doublé d’un discours sur les Philippines et son rapport à l’environnement. Dans une ville chaotique, la préoccupation de Mendoza consiste une nouvelle fois à questionner les limites de la morale, en filmant deux grands-mères dans leur environnement. La question de l’espace se révèle alors extrêmement importante, presque déterminante (transports, intempéries). Chaque déplacement dans la ville prend la forme d’une épreuve, d’un véritable parcours (le vent lors de la très belle première scène, l’eau qui rend le transport du cercueil difficile…).

Et puis, il y a l’argent (quasiment la première chose qui apparaît à l’écran, avant même les personnages) qui vient tout contaminer, au point d’annuler tout sentiment de justice. Pourtant, Mendoza ne condamne jamais les actes de ses personnages. Avec son style bien particulier (plus que jamais, la frontière entre le documentaire et la fiction semble disparaître), le cinéaste montre avec tendresse deux femmes qui tentent de survivre contre la pauvreté. Le moindre sou vaut ici de l’or et on tremble comme dans Le voleur de bicyclette que les personnages perdent tout à chaque instant – ils sont obligés de coudre à leurs poches, leurs mouchoirs remplis de billets.
Lola est un film d’une grande humanité, où les habitants de Manille n’ont pas d’autres choix que de s’occuper des vivants quitte à délaisser (un peu) les morts.

Ames en stock – Sophie Barthes

christyler — Sat, 29 May 2010 05:00:25 +0000

Le scénario d’Âmes en stock (Cold Souls en VO) rappelle beaucoup ceux de Charlie Kaufman : Adaptation. pour la mise en abyme, Eternal Sunshine of the Spotless Mind pour le côté science-fiction mais aussi Dans la peau de John Malkovich pour sa réflexion sur le métier d’acteur. C’est un peu étouffant comme bagage, surtout pour un premier film, mais il y a dans ce dernier une belle modestie. D’abord une simplicité à s’attaquer à une jolie idée (la possibilité pour les personnages de se séparer de leurs âmes, voire d’en louer une). Pas si facile d’intégrer dans un monde réaliste quelque chose d’aussi fantastique. Barthes joue la carte du « déjà là » et il suffit que le héros feuillette les pages jaunes pour trouver un service de stockage d’âmes. Surtout, la réalisatrice s’en amuse, consciente du grotesque de ce service (le rendez-vous très drôle avec le médecin, l’âme de Giamatti semblable à un pois chiche…).

Mais Âmes en stock n’a rien du film concept. C’est avant tout une intéressante réflexion sur ce qu’est un acteur, un corps d’acteur qui tente ici de littéralement pénétrer l’âme pour interpréter un personnage. Tout ceci est donc doublé d’une passionnante mise en abyme puisque le personnage et l’acteur se confondent (Paul Giamatti joue son propre rôle et fait preuve d’une autocritique hilarante). Voir notamment la très belle première scène qui, d’entrée de jeu, sème le trouble sur ce que l’on voit : assiste-t-on à une répétition ou à une véritable déclaration du personnage ? La crise existentielle du héros, qui l’entraînera jusqu’en Russie (on pense à Lost in Translation), prend alors une tournure assez inattendue quand le personnage ose enfin regarder à l’intérieur de son âme. On y découvre un souvenir, plus grave encore que la recherche de soi, qui vient expliquer le mal être du héros. Sans s’y appesantir, Sophie Barthes nous laisse sur cette révélation douloureuse, avec pudeur et délicatesse.

Kick-Ass – Matthew Vaughn

christyler — Thu, 27 May 2010 05:00:03 +0000

Kick-Ass ressemble à un film de super-héros classique qui, conscient de ne rien offrir de neuf, fonce dans le tas, juste pour le plaisir de faire pareil que les autres. Comme son héros finalement qui décide d’enfiler une combinaison nautique pour jouer les super-héros. Il n’a pas de pouvoir, il ne sait pas vraiment se battre mais peu importe, il fonce dans le tas quitte à en prendre plein la tronche. Et déjà, Kick-Ass surprend par ses accès de violence alors que le film prend davantage des allures de teen-movie (la romance classique avec le héros que personne ne remarque).

La réalisation de Matthew Vaughn ressemble ainsi à une sympathique relecture de Spider-Man mélangé à du Watchmen et peut aussi se voir comme une métaphore du passage à l’âge adulte (devenir super-héros comme façon de trouver sa place dans le monde). L’ensemble se suit d’ailleurs avec beaucoup de plaisir tant la narration se montre habile et les scènes d’action s’avèrent réussies. Kick-Ass se mue ensuite en une sorte de film de vengeance à la morale et à la violence dérangeantes (les exécutions sommaires et abruptes). Peut-être pas suffisant pour totalement gâcher l’ensemble mais, tout de même, malgré un univers balisé, la vengeance ne semble pas porter à conséquence, autre que d’entraîner une autre vengeance via le personnage de Red Mist (Christopher Mintz-Plasse, génial). Dommage.

Iron Man 2 – Jon Favreau

christyler — Tue, 25 May 2010 05:00:05 +0000

Ben c’est pas mal cet Iron Man 2. Ce second volet n’existe que pour Tony Stark/Iron Man, interprété par Robert Downey Jr. Du coup, les personnages secondaires sont un peu en retrait (celui de Mickey Rourke pas franchement convaincant, celui de Scarlett Johansson limite inutile) ce qui offre quelques scènes plus faibles que d’autres.

Mais l’intelligence du scénario de Justin Theroux, c’est de véritablement creuser la personnalité du héros, pour quasiment en livrer une réflexion sur l’acteur (pas étonnant quand on sait qu’il avait écrit le scénario de Tonnerre sous les tropiques qui offrait déjà une belle réflexion sur le métier d’acteur et dans lequel Robert Downey Jr. apparaissait d’ailleurs). Tout le film se présente en fait comme une succession d’évènements qui mettent l’égocentrisme de Tony Stark à l’épreuve, lui qui ne veut pas partager son bébé (l’armure d’Iron Man) et soucieux de contrôler son image. Il faudra la reconnaissance d’un père pour que ce dernier accepte enfin l’aide d’un coéquipier ou celle d’une société secrète (The Avengers) et s’ouvre à celle qu’il aime lors d’une très belle scène de révélation.

Film Socialisme – Jean-Luc Godard

christyler — Sun, 23 May 2010 05:00:27 +0000

Un ami avait raison quand il disait que le paratexte avait pris le dessus sur le texte. Si un cinéaste (très habile) avait voulu livrer une caricature d’un film de Godard, ça aurait pu donner ce résultat. Des images douteuses sur la Palestine, des dictateurs, une omniprésence de la Shoah, des aphorismes plus ou moins inspirés… On connaît la chanson. Et c’est un peu le constat en sortant du film : « c’est du Godard ». C’est encore du Godard, comme on le connaissait déjà, sans surprise. Pas loin de la caricature donc. Radotant.

Mais c’est aussi très émouvant de voir un cinéaste se répéter parce qu’il ressent le besoin ou l’urgence de crier (à nouveau) sa vision du monde, comme a pu le faire De Palma dans Redacted (ici on suit le cours de la Mediterrannée – Egypte, Palestine, Odessa, Hellas, Naples et Barcelone). Et si le fond n’a pas changé, en revanche, le cinéaste reste toujours aussi affûté pour assembler des images (le montage sublime), nous offrir des plans de toute beauté (certains plans sur le paquebot) ou jouer avec les pistes sonores.

The Invention of Lying – Ricky Gervais et Matthew Robinson

christyler — Fri, 21 May 2010 05:00:03 +0000

Le pitch d’abord. Dans un monde où tout le monde dit la vérité (le mensonge est un concept qui n’existe pas), un homme parvient soudainement à mentir. De ce postulat absurde, Ricky Gervais et Matthew Robinson livrent une comédie métaphysico-sentimentale drôle et touchante (la marque de fabrique du créateur de The Office et Extras).

On aurait pu croire que The Invention of Lying ne serait qu’une succession de gags reposant sur la faculté soudaine du héros à mentir, comme Menteur, Menteur avec Jim Carrey mais à l’envers. Il n’en est rien. Et c’est tant mieux. Le film joue d’ailleurs davantage sur le fait que tout le monde dit systématiquement la vérité (« t’es en avance. J’étais en train de me masturber. »). Mais là encore, cela reste en fond et le film ne repose pas essentiellement là-dessus.The Invention of Lying vire en fait à la comédie métaphysique et peut se voir comme une virulente charge contre la religion. La scène centrale où le personnage improvise de nouveaux Commandements est fantastique. Sur la fin, dans sa partie franchement comédie romantique, le film devient beaucoup plus attendu, plus classique. Mais là encore, The Invention of Lying parvient à toucher par sa simplicité, sorte de naïveté consciente émouvante et, en même temps, totalement déprimante dans sa vision de l’humanité…